Практическое руководство по рисунку и живописи

       

Живопись


Мы с вами беседовали о реальных условиях, с которыми связано наше видение цвета. Работая над этюдами, вы, наверное, сами начали замечать, что на видимый цвет натуры влияют и характер освещения, и воздушно-пространственная и цветовая среда. Постепенно ваше зрение станет все более и более чувствительным к этим явлениям.

Но восприятие цвета зависит и от непосредственного чувства художника, от его переживаний, от его отношения к тому, что он изображает. Можно сказать, что цветовой образ возникает из дара видеть и дара чувствовать, — а иначе и быть не может в творчестве. Если предположить, что два художника будут писать одну натуру, то и этюды получатся у них разными именно потому, что правда художественная связана с активной мыслью и чувством художника.

Как перенести на полотно то, что мы видим, ощущаем?

Наверное, многих из вас привлекала натура с ярко выраженным контрастом света и тени. Например, пейзаж в солнечный день, когда на свету все так и горит и ясно выделяются тени. Какие же краски взять, чтобы и в этюде все засветилось? Неопытному художнику хочется сразу найти на палитре самую светлую, самую ослепительную краску, да и белил побольше прибавить. А для теней — выбрать темные краски. Но что получается? Не горит, не светится этюд! Яркий свет выглядит в нем каким-то белесым, тени — как черные «провалы». Самые светлые, яркие или темные краски, которые лежат на палитре художника, не могут «буквально» соответствовать громадному диапазону контрастов светлого, темного, яркого в натуре. Так же невозможно механически повторить, «перетащить» реальные объемы и пространство на двухмерную плоскость холста или листа бумаги. Но живопись способна воспроизвести реальную действительность.

Здесь мы с вами переходим к очень важному вопросу. Речь идет о языке живописи — о цветовых отношениях этюда или картины. Вот слова И. Грабаря: «Для художника не существует ни абсолютно прекрасных, ни абсолютно уродливых цветов; он заботится о создании прекрасных отношений одного цвета к другому, их обоих к третьему и всех вместе друг к другу.


Красоту создают только их отношения, только то, что можно назвать цветовым синтезом».

Один из учеников известного художника-педагога Н. Крымова вспоминает, как однажды, показывая ученикам свою картину «Улица в Тарусе», Николай Петрович привел конкретный пример цветовых отношений.

- Посмотрите, как сделана зеленая лужайка. Киноварь и охра, и сиреневое, и коричневое, и голубое. Видите?

Нельзя не узнать зеленую тарусскую улицу, как нельзя не узнать почерка Крымова. Киноварь, охра, сиреневое, коричневое и голубое… Почему же художник не назвал зеленую краску? Ведь он говорил о зеленой лужайке! И на его палитре, конечно, была зеленая краска.

Почему? Потому что у художника сложился конкретный цветовой образ натуры, в связи с теми реальными условиями, при которых он ее наблюдал. И ему понадобилось более сложное цветовое выражение, чем просто зеленая краска. Краска — это еще не цвет. Выразительные свойства цвета на полотне могут не совпадать с названием красок, которыми пользовался художник. Нужное впечатление достигается сочетанием цвета, то есть цветовыми отношениями. Рассмотрим это на нескольких конкретных примерах.

Художник Н. Крымов в своей картине «Желтый сарай» изобразил летний вечер, наполненный теплом и покоем, простой сарай и мирно пасущуюся лошадь. Основным источником для художника послужило, очевидно, яркое впечатление от цвета сарая, который под воздействием освещения и в окружении массы зелени выглядел неожиданно декоративным, звучным.



Мастер очень смело решает цветовые отношения своего полотна. Он усиливает насыщенность (относительно реальной натуры) цвета сарая и как бы «поддерживает» его контрастными, более холодными участками зелени, которыми написаны тени. Сильно освещенные стволы деревьев и просветы неба — светлее сарая, но взяты менее яркими цветовыми оттенками, поэтому они «не забивают» его сияния. Обратите внимание на очень существенную деталь: солнечные блики на стволах деревьев светятся, но насколько они темнее, чем тон чистых белил (приложите, например, кусочек белой бумаги, и вы в этом убедитесь).


Как красиво выделяется силуэт лошади на переднем плане, не резко, а слитно с зеленью. Между цветом лошади и цветом травы почти нет тонального (светлотного) контраста, все держится на цветовом сочетании. А попробуйте закрыть рукой силуэт лошади — замечаете, что сразу пропадает ощущение переднего плана картины? Значит, художник поместил ее на переднем плане не случайно, тут необходим был цвет, который как бы отодвигал яркий сарай чуть в глубину картинной плоскости. Но вообще художник здесь не ставит перед собой цель создать иллюзию глубокой воздушной перспективы. Его больше интересует выразительная декоративность цветовых сочетаний больших планов картины. Поэтому цветовые соотношения он берет, главным образом, крупными плоскостями и передает все формы скорее силуэтно, а не как скульптурные объемы.

В целом художник нашел такую форму цветового построения своей картины, которая наиболее точно соответствовала творческому замыслу, — в этом и заключается секрет ее воздействия на зрителя.

Искусству живописи противопоказаны трафаретные, заученные способы решения цветовых отношений. Даже при беглом сопоставлении картины художника И. Грабаря «За самоваром» с «Желтым сараем» Крымова видно, что Грабарь строил цветовые отношения своего полотна совсем по-иному. И дело не только в том, что художники изображали разную натуру, но также и в том, что у каждого своя «живая душа художника».



Картина «За самоваром» вызывает настроение домашней теплоты, уюта сумерек. В свете гаснущего дня ярким огоньком вспыхивают тлеющие угольки в самоваре, мерцает посуда на столе, светится теплый тон лица девочки, сидящей за столом. Художник прекрасно разрешил сложные цветосветовые задачи сочетанием тончайших цветовых переходов. Техника письма несколько напоминает мозаику. Небольшие, преимущественно нанесенные густым слоем мазки, из которых как бы соткана вся работа, передают сложную игру рефлексов при вечереющем освещении, лепят формы, выявляют глубину пространства. Вся цветовая среда картинной плоскости создается переплетением разнообразных холодных и более теплых оттенков.


Таким образом, решение цветовых отношений и живописная манера конкретно подчинены той задаче, которую ставил перед собой художник.

В качестве еще одного примера рассмотрим натюрморт М. Сарьяна «Виноград». М. Сарьян жил и работал в Армении, путешествовал по странам Востока. Природные особенности родного края в большой степени обусловили стиль его живописи. «С детства, как говорится, с молоком матери, я впитывал в себя Восток, Юг, все особенности армянского искусства, всегда и всячески стремился передать это на холсте и на бумаге», — вспоминает художник в книге «Из моей жизни».



Живописи Сарьяна присуща решительная, щедрая, неповторимая в своих сильных и ярких цветовых сочетаниях гармония. Важная особенность его работ, и в частности это относится к натюрморту «Виноград», — лаконизм, ясность, отсутствие мелочной детализации, скупость изобразительных средств. Образная убедительность изображения достигается художником как бы немногими средствами. Как хорошо, например, ощутима форма тяжелых кистей винограда, связки бананов, вазы, плотно стоящей на столе, — хотя привычных подробностей нет. Все написано крупными пятнами цвета, энергично намечены границы света и тени. Общие цветовые отношения решены здесь с таким расчетом, чтобы изображение предметов располагалось в одной плоскости (даже стол не отделен от фона). Предметы, главные «герои» картины, по замыслу художника, должны восприниматься первым планом. «В общем моя цель, — говорил художник, — простыми средствами, избегая всякой нагроможденности, достигнуть наибольшей выразительности…». Но здесь так называемая «сложная простота», которая является результатом продуманных отношений цвета; все необходимо и рассчитано точно. Размеры и формы цветовых пятен найдены относительно друг друга так, что все вместе они надежно «поддерживаются» друг другом. Ни один цвет не выглядит грубо «вырывающимся» из картинной плоскости или, наоборот, — вялым, все цвета взаимодействуют как слаженный хор. Посмотрите, как ритмично чередуются теплые и холодные тона: красные, оранжевые и желтые цвета фруктов и кисти винограда уравновешиваются ярким пятном вазы; между этими двумя, можно сказать, «горячими» участками — холодный цвет средней кисти винограда, который дополнен холодноватыми оттенками падающих теней.


Особо декоративная красота отношений убедительно воплощает в этой картине характер натурного сюжета.

Мы с вами рассмотрели три картины (вернее, их репродукции, которые не дают, впрочем, полного представления о подлинниках), и вы, конечно, заметили одну общую черту у этих разных художников; изображение в картине строится цветовыми отношениями, а не механическим копированием натуры. В еще большей степени вы это поймете, когда станете углубленнее изучать работы мастеров в музеях и на выставках.

Необходимо учиться работать цветовыми отношениями. Не пытайтесь копировать цвет «точь-в-точь». Можно, казалось бы, постараться повторить каждый цвет с наибольшим приближением к натурному, но тогда невольно вы станете копировать его отдельно от остального. При таком копировании теряется чувство и видение взаимосвязи цвета, а изображение получается далеким от живого впечатления. Старайтесь все решать именно сочетанием цвета, только тогда вы сможете, пользуясь языком живописи, выразительно передать и натурный сюжет, и свой замысел, работая с натуры по памяти или представлению.

Ученики иногда спрашивают: как, например, написать дерево, небо и так далее? Они требуют от преподавателя определенного правила, подобия рецепта, пригодного на все случаи жизни. «Законы живут, правила неподвижны», — говорил Фаворский. В этом важно разобраться, чтобы не путать два таких разных понятия, как законы и правила. Вот как Репин рассказывал о своей работе над знаменитой картиной «Запорожцы».

«…Все время работал над „Запорожцами“. Работал над общей гармонией картины. Какой это труд! Надо каждое пятно, цвет, линия чтобы выражали вместе общее настроение сюжета и согласовались бы и характеризовали бы всякого субъекта в картине. Пришлось пожертвовать очень многим и менять многое и в цветах, и в личностях. Конечно, я не тронул главного, что составляет суть картины — это-то есть».

«Какой это труд!» — восклицает мастер, когда он говорит о таких необходимых законах искусства, как общая гармония картины — цвет, линия, пятно, — которые должны выразить настроение сюжета, согласованность общего и частного.



Много предметов, пожалуй, брать не стоит. Задача — выявить зависимость цвета предметов от фона, на котором они вам видны. Сможете ли вы передать это в своих этюдах? Попробуйте. Действуйте красками смелее.

А если на одинаковом фоне написать разные натюрморты? Советуем вам это сделать. Например, напишите на голубоватом фоне зеленое яблоко. На этом же фоне — красное яблоко. И на этом же фоне — лимон (не обязательно брать именно эти предметы, мы их назвали в качестве примера). Теперь вы увидите, как меняется фон от соседства с предметом того или иного цвета. В каждом этюде постарайтесь решить цвет фона в связи с цветом другого предмета. Во время работы не забывайте сравнивать одно с другим и со всем вместе. Как говорил П. Чистяков, «смотря мимо», «около» того места, цвет которого хотите определить, старайтесь охватить глазом самые разные участки натуры.

ДЛЯ ВАШЕЙ ЗАПИСНОЙ КНИЖКИ

«Мне скажут, что способность видеть врожденна и не от нас зависит. Но я, наверное, знаю, что способность видеть может развиваться до большого проникновения. Многого мы не видим только потому, что не требуем от себя этой способности, не заставляем себя рассматривать и понимать, пожалуй, вернее сказать, не знаем, что можем видеть». Голубкина

«В науке, где требуется фактическая достоверность, принцип: „как кажется природа“, конечно, не имеет такого значения… В живописи же, если на красном фоне серый кружок бумаги кажется зеленоватым, то и изображать его нужно таким». В. Васнецов



Натюрморт окажется против света. Посмотрите, как преображается цвет предметов! Он не только стал темнее, но приобрел иной оттенок. Да и форма кажется более плоской, силуэтной. Не забывайте, что смотреть надо одновременно и на предметы, и на пейзаж, охватывая взглядом все вместе, и вы почувствуете нужную меру тонального контраста (чтобы не перечернить цвет). Натюрморт вместе с пейзажем за окном надо почувствовать как единую цветовую композицию. Это поможет вам найти цветовые отношения в своем этюде.

Советуем вам, когда вы будете работать над этюдами, писать как бы все сразу, нанося цвет на разные участки этюда. Не пишите этюд по отдельным частям. Этим способом трудно достичь необходимой согласованности частей изображения, да и натуру придется разглядывать по частям. Это все равно, что смотреть в сад через узкие щели забора — отдельные детали видны, а представить весь сад в целом трудно.

Почаще отходите от своего этюда или отставляйте его подальше. Живопись, обычно, смотрят с расстояния — яснее становится общее впечатление.

ДЛЯ ВАШЕЙ ЗАПИСНОЙ КНИЖКИ

«…Каждая действительно самобытная картина является отдельной работой; она подчиняется своим собственным законам; правильное в одном случае может быть ошибочным в другом…» Констебль

«В картине должен поражать не один какой-либо кусок, но целое; отдельный кусок недостаточен, чтобы стоило простить несовершенное целое». Буден

«Прекрасное в искусстве — это правда, слитая с впечатлением, полученным нами от природы. Я поражен при виде какой-нибудь местности. Добиваясь точности изображения, я ни на минуту не забываю охватившего меня чувства. Реальное — это часть искусства. Чувство его дополняет». Коро

«Цвета есть раздражающие и успокаивающие, кричащие, спорящие друг с другом и живущие ласково один возле другого. В их борьбе или согласии и есть воздействие цвета на человека через чувство зрения». Петров-Водкин


Содержание раздела